Todo lo que quisiste saber sobre el guion de cine y televisión, pero nunca te atreviste a preguntar. Blog de Nuria Verde Hidalgo, periodista y guionista.
El 17 de noviembre de 2023 murió A.S. Byatt, mi escritora favorita junto a Sarah Waters. El último fin de semana, durante una conversación con mi madre, me he acordado de ella y del poema que escribió en memoria de Edward, su hijo de once años, al que atropelló un conductor borracho.
Son unos versos inspirados por El rey Lear de Shakespeare, cuando Lear se abre en canal por el dolor de la muerte de su hija Cordelia. Por cierto, Coppola también hizo una referencia a esa escena de la obra de Shakespeare, en la tercera parte de El padrino cuando Al Pacino pierde a su hija, interpretada por Sofia Coppola.
El perro, el caballo, la rata
¿Por qué deberían vivir un perro, un caballo, una rata, si tú no respiras?
Un perro, un caballo, una rata
En estos días de podredumbre,
La heráldica en mi cabeza
Bailaba con notas vivas.
La pulcra rata de brillantes ojos
El perro con su penacho y con su barro
El caballo de cuello caliente y brillante
Pero tú nunca volverás.
El terror de sus vidas,
La emoción de su carne, el aire
En su nariz, pulmones, y corazón.
Me lloras, mira, mira,
Lear, engañado por un aleteo,
Pero recuerdo lo que me dijeron
Cuando me cambiaron la vida para siempre
Con su simple “Está muerto”.
Desde entonces respirar
No es fácil, no es seguro,
Nada de lo que veo, nada de lo que oigo importa
Porque tú no estás.
Un perro, una rata, un caballo
Veo disfrutar, aterrorizarse
Su pelo, sus huesos en éxtasis
Ojos vivos, orejas rizadas
Pero cada vez que respiro
Me recuerdan en mi cuerpo, en mi sangre:
Él nunca volverá.
Sin embargo, cuando vivo más
Y doy una vuelta durante la tibia tarde
Respiro el fantasma de tu pelo rubito,
Mi cráneo guarda el aliento perdido
De tu pelo rubito,
De tu quemado pelo rubito.
Le he escrito un e mail a mi madre:
«Hola mami:
He traducido el poema de Byatt en memoria a Edward, su hijo. Es impresionante. A ver qué opinas. Lo voy a publicar en mi blog como un homenaje a ella.
Tremendo.
A ver si lo encuentras en inglés en Internet. No te lo puedo mandar porque lo he visto en una foto en el Twitter de una madre que había perdido a su hijo por un cáncer.
En fin, el poder de la literatura.
Besos
Nuri».
Nuria Verde Hidalgo, autora de este blog, ciclotímica y apasionada de la vida. Ama escribir. Recientemente, la escritora y periodista ha publicado, una entre catorce, El tercer hombre (Ediciones Silex, 2024) En 2020 publicó la novela El verdadero tercer hombre (Ediciones del Viento), en 2021 Los crímenes de Atapuerca (Caligrama), y en 2007 publicó Cómo crear una serie de televisión, con Gonzalo Toledano (Ediciones T&B), su primera incursión en la teoría y práctica del guion televisivo. En cuanto a su formación, es licenciada en Periodismo por la Universidad Complutense. En 2010, fue finalista en los Premios Goya con su corto, Terapia.
Kate Winslet aprendió el acento local para interpretar a Mare.
Al principio de la serie Mare of Easttown, Mare después de trabajar todo el día en un caso de una chica desaparecida, antes de ir a casa, va a un acuario de su pueblo para comprar a su nieto Drew que ella cuida, una tortuga y un cajón de cristal para la tortuga. El dueño intenta venderle un invento sofisticado y caro, pero Mare se niega, diciéndole que su nieto tiene problemas con las cosas complicadas, que va con retraso. En esa línea de guion con el dueño de una tienda ya nos damos cuenta de que Drew tiene problemas, no sabemos muy bien cuáles, y que Mare, en su vida personal, cuida y se preocupa de su nieto, con quien poco tiempo después. Luego, ya en casa y el hecho de ir al médico con su nieto, nos damos cuenta de la vida personal de Mare está centrada en cuidar emocionalmente a los demás, y de repente ves el enorme esfuerzo psíquico que la acción de cuidar supone, incluyendo en el lote las batallas cotidianas y repetidas con una hija adolescente en la edad del pavo. ¿En cuántas series has visto eso? El esfuerzo emocional de cuidar de los demás en Mare of Easttown.
Qué estrés
Es una revolución
Mostrar a un personaje al cargo de una investigación policial y que además es la protagonista de una serie, centrándose en su trama personal en el esfuerzo emocional de cuidar a las demás y en la desesperación más absoluta por no haber podido evitar el suicidio de su hijo mayor, Kevin, es una revolución.
¿Qué hacen los inspectores hombres en su vida personal? ¿Qué hacen las inspectoras mujeres que acostumbramos a ver en las series? Vivir una vida personal desolada de mierda o tirarse a todo lo que se menea mientras beben whisky.
Vale. Queda claro.
Mare, con su madre Helen y su nieto Drew, en misa.
Por primera vez en una serie thriller, con dos casos policiales potentes: la desaparición de Katie y Missy, y el asesinato de Erin, se retrata a una inspectora que hace un esfuerzo emocional de cuidar a la gente de su pueblo, y a su propia familia, muy en especial a su nieto Drew que tiene tics nerviosos y un retraso cognitivo.
Lo repito porque nunca ha pasado. Pero el problema de Mare es que se vuelca en los demás, los cuida lo mejor que puede pero no se cuida a sí misma. No está educada para ello.
Cuidar agota
Cuidar a los demás cansa, es un esfuerzo emocional que te desgasta por dentro y te desgasta por fuera. Cuidar a los demás es agotador y está muy poco reconocido
Además, Mare no quiere decepcionar a la gente, ni a su familia, ni a su jefe, ni a la gente de su pueblo, ni a sus compañeros de la policía. Pero lo hace. Y eso la llena de culpa y pesar.
El esfuerzo emocional de cuidar de los demás en «Mare of Easttown».
Colin y Mare hablan del caso de las chicas desaparecidas y del asesinato de Erin. Por una vez no están bebiendo una birra.
Mare cuida de la viejecita que ve a un mirón obsesionado con su nieta, y de su amiga Betty cuando su hermano yonki la roba, también de su amiga Lori y de su hija con síndrome de Down, Mare cuida de su madre, con la que no se lleva bien, de su hija adolescente y muy en especial de su nieto Drew.
Y eso es lo que le dice a su nuera, Carrie:
-Drew tiene que estar con quien le cuida.
¿Y quién le va a cuidar mejor Mare o Carrie?
Mare.
Mare con su compañero Colin, interpretado por un espléndido Evan Peters. Durante el rodaje de Mare of Easttwon en los condados de Chester, en Filadelfia.
Terapia
La primera vez que Mare va a terapia con una psicóloga es por obligación. Su jefe le pide que se coja la baja y la fuerza ir a terapia. Gracias a Dios, la psicóloga es normal. Habla poco, pero es compasiva y crea un espacio seguro que permite a Mare abrirse a su ritmo, logra ayudar a su paciente de verdad, sin grandes parrafadas ni alharacas, tal y como son los estereotipos de psicólogos en las series. La verdad que destilan Mare y su psicóloga es impresionante también por su normalidad.
Su psicóloga es alguien que cuida a Mare, alguien que le pregunta como está y qué hacer para sentirse bien.
Mare no está acostumbrada a que le hagan esas preguntas. Ella esta acostumbrada a cuidar a los demás, no que la cuiden a ella.
Pero la última vez que va a la psicóloga no es porque a Mare la obliguen, sino porque ella va a pedir ayuda. El personaje ha dado un paso importante en su proceso de curación y, desde el punto de vista del guion, en el arco de transformación como personaje.
-Está volviendo el pánico por las expectativas de la gente-dice Mare a su psicóloga.
–¿Qué te haría sentir bien?
–No se me ocurre.
Conocernos a nosotros mismos
En el viaje de la heroína de Mare, el último paso es afrontar el dolor por la muerte de Kevin, porque el dolor que no se procesa ni se llora, el dolor que se entierra en la sima nega de nuestro ser, no desaparece sino que reaparece como un fantasma demente y purulento, envuelto en niebla y terror, con ropajes angustiosos y nos hace sufrir una y otra vez.
El personaje para transformarse y completar su arco de cambio tiene que conocerse a sí mismo, saber las cuestiones que tiene que afrontar, conocer las cosas que tiene que hacer para estar bien. Pasar de la negación, el silencio y la ocultación a la luz.
El viaje de la heroína, Kate Winslet.
Durante la última sesión de terapia, entre Mare y su psicóloga, esta última confiesa:
-Me preocupa que no hayas superado el luto por la muerte de Kevin.
El esfuerzo emocional de cuidar de los demás en Mare of Easttown
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Nuria Verde Hidalgo, autora de este blog, ciclotímica y apasionada de la vida. Ama escribir. Recientemente, la escritora y periodista ha publicado, una entre catorce, El tercer hombre (Ediciones Silex, 2024) En 2020 publicó la novela El verdadero tercer hombre (Ediciones del Viento), en 2021 Los crímenes de Atapuerca (Caligrama), y en 2007 publicó Cómo crear una serie de televisión, con Gonzalo Toledano (Ediciones T&B), su primera incursión en la teoría y práctica del guion televisivo. En cuanto a su formación, es licenciada en Periodismo por la Universidad Complutense. En 2010, fue finalista en los Premios Goya con su corto, Terapia.
Mare, Lori, Ross y Billy, el hermano de Ross, beben cerveza y cenan pizzas mientras ven un partido de baloncesto en la tele. Justo lo que no conviene. Cuando Mare está de baja por mala praxis profesional e investiga por su cuenta, utiliza a su compañero Colin, que está colado por ella, para hablar del caso de las dos chicas desaparecidas y la chica asesinada. Justo lo que no conviene. Mare descubre un colgante de Erin, la chica asesinada, y oculta información y pruebas a Colin. Justo lo que no conviene. Mare se niega a hablar de la muerte de su hijo Kevin y se aleja de sus seres queridos porque dedica toda su energía a mantenerse en pie y no derrumbarse bajo el peso del dolor. Justo lo que no conviene.
Mare le da fuerte a su cigarrillo electrónico, como si apurase un porro. “Mare of Easttown” es una maravilla de serie también porque la inspectora hace lo que no conviene.
Punto a favor
Uno de los aciertos de «Mare of Easttown» es que incluso los personajes que son malos tienen un lado bueno, y juegan contra las expectativas de los espectadores. Por ejemplo, cuando Dylan coge la almohada mientras D-J. llora a lágrima viva en su corralito.
Otro punto a favor es que incluso los personajes que son buenos tienen un lado malo. Por ejemplo, cuando Mare pone las bolsas de droga en el coche de Carrie.
Incluso madres e hijas que se llevan mal tienen un punto de encuentro como Mare y su madre cuando a la inspectora la hieren la mano y su madre la cuida.
Giros de guion orgánicos
El personaje que interpreta Kate Winslet nos cae muy bien. Todas queremos ser amigas de Kate Winslet porque es de esas personas que cuando se hunde el barco te ayuda, otra cosa es que el barco se hunda de todas formas, pero Mare está ahí en los malos momentos, y por lo tanto se merece también estar en los buenos.
Mare vive en una tensión constante, presagia el desastre. Cuando de noche vuelve a casa, y ve una ambulancia en su puerta, le da un vuelco al corazón. Menos mal que es su madre, y no es su hija ni su nieto los que están dentro de la ambulancia.
Y sí, las tragedias y pérdidas siguen pasando, siguen pasando cosas malas y alguna buena. Hay giros de guion orgánicos que funcionan con su dosis de sorpresa y realidad, con su verdad y su honradez.
Mare of Easttown demuestra que estrenar un capítulo por semana funciona y también el hecho de que sea una miniserie, con principio y final. El fenómeno Mare of Easttown colapsa HBO. Kate Winslet prohibió que borrasen su ‘barriguita’ durante la escena de sexo.
La crisis de los opiáceos
Easttown no es un buen sitio donde vivir. Es un pueblo donde desaparecen chicas, donde muchas jóvenes se dedican a la prostitución para pagarse su adicción a la heroína. Tras el telón de fondo está la brutal y bestial crisis de los opiáceos que azota Estados Unidos, sobre todo las zonas más obreras, en la que médicos han prescrito a mansalva oxicodona y oxicontina a pacientes con dolores y han sido premiados por la farmacéutica Purdue Pharma que hizo una campaña de marketing engañosa en la que decía que dichos opiáceos eran eficaces para tratar el dolor, obviando que causan adicción. Llegaba un momento en que los pacientes no conseguían más recetas, en el mercado negro esos opiáceos eran muy caros, y la gente recurría a un sustituto más barato: la heroína. El resto es un relato de destrucción y muerte.
Gente normal se enganchaba a la heroína. Por ejemplo, la segunda chica secuestrada, que era enfermera, sufrió un trauma de cadera, y un médico le recetó oxicontina. Luego vino la caída.
Todo Easttown está lleno de muertos vivientes heroinómanos que hacen cosas horribles para conseguir su dosis, chicos que en cuanto se levantan por la mañana solo piensan en una cosa: pillar.
Craig Zobel dirige los siete episodios de la serie.
Madres por la droga
Las adolescentes que besaron la gloria en aquel partido de baloncesto en la que ganaron el título son ahora madres por la droga, sus hijos no pueden hacerse cargo de sus propios porque son adictos. Son prematuras abuelas que cuidan de sus nietos a pesar de que ellas están hasta arriba de problemas.
Mare ha perdido a su hijo Kevin que se suicidó, se ha divorciado de su marido Frank y se ocupa de Drew, su nieto que tiene tics nerviosos y un retraso cognitivo.
Dawn, que tiene cáncer y trabaja en un súper de barrio, cuya hija, prostituta y adicta a la heroína, ha desaparecido hace un año, cuida también de su nieta.
Easttown es un pueblo que irradia desesperanza y pérdida. Está enclavado en la América de los desheredados.
Nuria Verde Hidalgo, autora de este blog, ciclotímica y apasionada de la vida. Ama escribir. Recientemente, la escritora y periodista ha publicado, una entre catorce, El tercer hombre (Ediciones Silex, 2024) En 2020 publicó la novela El verdadero tercer hombre (Ediciones del Viento), en 2021 Los crímenes de Atapuerca (Caligrama), y en 2007 publicó Cómo crear una serie de televisión, con Gonzalo Toledano (Ediciones T&B), su primera incursión en la teoría y práctica del guion televisivo. En cuanto a su formación, es licenciada en Periodismo por la Universidad Complutense. En 2010, fue finalista en los Premios Goya con su corto, Terapia.
Marianne lleva una vida miserable a pesar de sus privilegios económicos. Marianne me recuerda a mí de adolescente: tímida e insoportable solo porque te sientes mal contigo misma. Connell es su espejo contrario: guapo, popular aunque sensible. A Connell le sobran los amigos y los reconocimientos sociales, aunque es tímido y no abre la boca. Sus amigos se chotean de él: como no dices nada, las chicas te encuentran interesante. Pero es un chico interesante. «Normal people»: la historia de amor de Connell y Marianne.
La madre de Connell quiere que estudie; él piensa echar la solicitud en Derecho, lo cual no le motiva lo más mínimo, pero es Marianne quien le ayuda a decidirse por lo que más le gusta, la Literatura, y él echa la inscripción en Trinity.
Conell y Marianne se aman y se acuestan para celebrar su juventud, su amor y sus cuerpos. Pero en secreto, Connell se avergüenza de Marianne, que es una marginada, una friqui en el instituto. Por esa razón, le pide que nadie sepa su relación.
El bestseller de Sally Rooney desembarca en televisión en una serie deliciosa que os recomiendo a todas. Se llama «Normal People» y se encuentra en Movistar +.
Es una historia de amor hipnótica, sonámbula, nada idealizada, llena de calor y unión atávica.
Hulu y la BBC estuvieron listos y se llevaron el gato al agua. En 2018, la novela «Gente Normal» se convirtió en un fenómeno literario que traspasó las fronteras de Irlanda.
Bienvenidos a la alucinante historia de amor de Marianne Sheridan y Connell Waldron, ricos y pobres, apocalípticos e integrados, infelices y felices. Y el giro: hay que mantener la relación en secreto. No lo puede saber nadie. Es lo único que le pide Connell a Marianne. Ella acepta.
Están muy bien contadas en la serie muchas cosas: la secuencia del partido de fútbol en el que Connell marca un gol y Marianne lo observa y se enamora de él, la urgencia febril del deseo, la vergüenza de ella cuando un amigo de Connell en el instituto la ataca y le dice que es fea, está plana, y quién querría salir con ella. Connell lo oye, pero se calla.
Sally Rooney está detrás de la adaptación de su novela con la ayuda de dos guionistas veteranos: Alice Birch de «Succession» y Mark O’Rowe de «A Boy». El guion está muy bien construido, escrito con mucha sutileza y ligereza, con sensibilidad; va contra las expectativas del espectador. Por ejemplo, cuando unos chicos se burlan de Marianne y del libro que está leyendo en el comedor del instituto, ella se mancha de yogur la camisa del uniforme escolar. Va al baño y allí entra la típica guapa-popular; aunque no se mete con ella, solo le pregunta si puede pasar y entra al servicio.
En «Normal People» hay secuencias maravillosas, como la primera vez que Connell besa a Marianne y ella le confiesa, con timidez que es su primer beso, o cuando hacen el amor por primera vez y Marianne le confiesa al chico que es virgen, y él, muy majo, dice que si le duele o no quiere seguir, que se lo diga y parará y no pasará nada. Que le diga cómo se siente porque él no pretende hacerle daño. Esa secuencia debería ponerse en todos los institutos porque es un magnífico ejemplo de educación sexual y de sensibilidad.
—No tengo ningún amigo en el instituto —dice Marianne.
—¿Y qué? —dice Connell.
Durante la fantástica escena del pasillo en la que ella se le declara, a su manera introvertida.
—¿Te gustó? —pregunta Connell.
—Sí.
Tras un rato:
—Y no solo como amigo.
Hay una secuencia muy dolorosa para Marianne: cuando su propio hermano le hace bajarse del coche a pesar de que llueve a mares porque va a recoger a un colega y su hermanita no es cool. Marianne se empapa bajo la lluvia y llega al Insti hecha una sopa. Su propio hermano la trata como a un perro. Aunque su madre no trata mucho mejor a Marianne, que no me extraña que esté tan triste y lleve esa vida tan aislada y deprimida porque mamá es tan fría como un témpano.
El guion es una reinterpretación de La Bella y la Bestia, aunque, en este caso, se trata del Bello y la Friki. Pero la esencia heroica y mítica es la misma.
La adversidad, el obstáculo que tiene que salvar el Bello, es hacer visible su relación con Marianne y hacer un trabajo consigo mismo porque no sabe pedir lo que quiere, ni sabe expresar ni comprender sus emociones ni sus conflictos.
12 episodios. Marianne (Daisy Edgar-Jones) y Connell (Paul Mescal) son dos jóvenes que intentan madurar en la Irlanda sumergida por la crisis financiera del 2008. Adaptación de la novela de Sally Rooney, definida por The New York Times como la primera gran escritora ‘millennial’.
«Normal people»: la historia de amor de Connell y Marianne.
Es una historia de amor íntima y épica, muy profunda, llena de miradas, silencios y sobreentendidos.
—Te acuestas con ella y no se lo puede contar a nadie —le echa en cara a Connell su madre.
Un seductor romance milenial. La serie es mejor que la novela. Te cautiva y te arrastra.
La popularidad y la clase separan a los jóvenes amantes. Marianne ni se adapta ni encaja en el instituto. Es inteligente. Tiene las ideas claras. No hace concesiones para caer mejor, pero le azota un dolor íntimo que no es visible a los demás. Connell es el hijo de la señora de la limpieza de la casa de Marianne, un desclasado, que tiene la aceptación de sus compañeros, pero solo conecta con Marianne a nivel íntimo y auténtico.
La historia se ha contado antes, aunque jamás se ha contado de esta manera.
Superrecomendable.
¿Dónde puedes ver «Normal People? En Movistar +
Lo mejor: los actores, el guion y la tierna expresión del amor físico.
Lo peor: nada.
¿Con quién verla? Con adolescentes.
Nuria Verde Hidalgo, autora de este blog, ciclotímica y apasionada de la vida. Ama escribir. Recientemente, la escritora y periodista ha publicado, una entre catorce, El tercer hombre (Ediciones Silex, 2024) En 2020 publicó la novela El verdadero tercer hombre (Ediciones del Viento), en 2021 Los crímenes de Atapuerca (Caligrama), y en 2007 publicó Cómo crear una serie de televisión, con Gonzalo Toledano (Ediciones T&B), su primera incursión en la teoría y práctica del guion televisivo. En cuanto a su formación, es licenciada en Periodismo por la Universidad Complutense. En 2010, fue finalista en los Premios Goya con su corto, Terapia.
«Normal people»: la historia de amor de Connell y Marianne.
Nuria Verde, periodista y escritora.
Nuria Verde Hidalgo, autora de este blog, ciclotímica y apasionada de la vida. Ama escribir. Recientemente, la escritora y periodista ha publicado, Euforia, (Ediciones Azimut, 2025), y una entre catorce, El tercer hombre (Ediciones Silex, 2024) En 2020 publicó la novela El verdadero tercer hombre (Ediciones del Viento), en 2021 Los crímenes de Atapuerca (Caligrama), y en 2007 publicó Cómo crear una serie de televisión, con Gonzalo Toledano (Ediciones T&B), su primera incursión en la teoría y práctica del guion televisivo. En cuanto a su formación, es licenciada en Periodismo por la Universidad Complutense. En 2010, fue finalista en los Premios Goya con su corto, Terapia.
Me ha encantado esta película italiana. Es una obra maestra, una historia emocionante y conmovedora, un homenaje verdadero a nuestras abuelas, y, en mi caso particular, a mi bisabuela Amalia, la madre de mi abuela Manuela. «Siempre nos quedará mañana»: el milagro de una película magnífica sobre una vida no tan bella.
Mi madre me recomendó Siempre nos quedará mañana. La había ido a ver con su amiga Charo y le había impresionado la película de Paola Cortellesi. La había ido a ver a ciegas, guiada por el mantra de que el cine italiano nunca defrauda. No sé el cine italiano, pero, sí, desde luego, «Siempre nos quedará mañana».
Que en 2024, se pueda hacer cine así, una obra maestra como esta película, es pura alegría. Estamos de enhorabuena con ese nuevo estilo que acierta a narrar una historia no narrada de mujeres alienadas que tiran para adelante en condiciones muy difíciles, cuando muchas mujeres eran meros felpudos de sus machistas maridos, cómo alimentan a unos hijos en la Italia de la postguerra mientras se normaliza la violencia machista y el maltrato sistemático del dictador doméstico, con rendijas para el humor, para la risa, para una mirada diferente sobre Delia y sus cuitas cotidianas en el tremedal en el que se encuentra metida hasta las trancas.
Cortellesi acierta al utilizar el blanco y negro, un blanco y negro mejorado que dota de atmósfera creíble e histórica, estamos en 1946, a «Siempre nos quedará mañana». Luego, el tono tragicómico del guion, las historias no vistas, o al menos no vistas por la retina de una mujer creadora, que se fija en detalles que me interesan, que me conmueven, que me atrapan.
Ah, esa fotografía en blanco y negro y esa música con danzas y miradas, cómo le dan una verdad visual a «Siempre nos quedará mañana».
La historia de las mujeres
Las historias que cuenta Paola Cortellesi me traen a la memoria las anécdotas, batallas, recuerdos que me narraba mi abuela Manuela sobre su infancia en el sótano de la plaza de Felipe II, Madrid, mientras cocinaba y yo la contemplaba, absorta, yo la amaba y desde que murió no hay un día que no la recuerde o que no la eche de menos. Era mi vínculo con la vida, ahora lo es mi hijo. Mi abuela se fue, pero sus historias se quedaron.
-Ya empezaron mal desde la boda-dijo mi abuela mientras armaba las croquetas y luego las pasaba con huevo batido y pan rayado.
Se refería a mis bisabuelos. Paco y Amalia. Tras la celebración de su matrimonio con la familia, tras fiesta modesta, con esa alegría sin contaminar que antes había en los acontecimientos especiales, mi bisabuelo se bebió su sombrero hongo lleno de coñac y no pudo encontrar la llave de su nueva casa (el sótano). Juntos pasaron la noche de bodas, sentados en las escaleras de madera gastado del rellano con mi abuelo como una cuba. A partir de ahí todo fue de mal en peor.
Volviendo a la peli.
Roma. Año 1946. Delia tiene tres hijos y está casada con el malhumorado Ivano, que la maltrata. Tras la guerra, ambos luchan por sacar a la familia adelante con trabajados mal pagados. Pero un día, una maravillosa noticia les alborota el ánimo: Marcella, la hija mayor, acaba de comprometerse con Giulio, un chico muy simpático de buena familia. Delia está muy ilusionada con este nuevo comienzo que traerá un futuro mejor para todos. Sin embargo, recibe una misteriosa carta que promete cambiar los planes de la familia para siempre.
Furio Andreotti, Giulia Calenda y Paola Cortellesi firman un guion asombroso, magnífico, donde lo importante no es lo que se dice, sino cómo se dice, silencios y miradas entre madre e hija cargados de subtexto, cruce de pupilas con intención que se lanzan los personajes. Un guion que funciona con exacta precisión, que no se hace largo, que cuenta lo que tiene que contar. Un guion en el que la historia está medida, y no sobra ninguna línea de diálogo.
Quizás haya algún anacronismo en la hija, Marcella, y en algunas cosas que le dice a su madre en el año 1946, pero está justificado por cebar el conflicto que tiene que haber entre ellas.
Y luego está el final, sorprendente, emotivo, apoteótico, original. Un final como hace mucho tiempo no veía ni me conmovía así en un cine.
La música de «Siempre nos quedará mañana» crea la atmósfera
Las canciones han inspirado a Paola Cortellesi para su primera película como directora, ‘Siempre nos quedará mañana’. Por ejemplo, «Nessuno» del dúo Musica Nuda, es un tema de amor que suena mientras el marido maltrata a su mujer, la protagonista. Pero también se ha inspirado en Lucio Dalla y en Daniele Silvestri para otros momentos emotivos de su película.
Me encanta, me flipa, me entusiasma un plano de la película, un prodigio, pero no os quiero robaros la emoción del final haciendo spoiler, no, no, eso ni de coña, Nurita, que amas a tus lectoras.
«Siempre nos quedará mañana»: el milagro de una película magnífica.
Neorrealismo, fantasía, memoria.
Nunca había visto Roma de esa manera, la ocupación americana, las colas para la comida, la miseria, la posguerra. Había atisbado en La piel de Liliana Cavani basada en la novela homónima de Curzi Malaparte, la realidad de la posguerra en Nápoles: una realidad devastada y terrible, donde los italianos vivían en unas condiciones de subsistencia y una chica depauperada se aferraba a la relación con un soldado americano como pasaporte a una vida no solo mejor sino una vida.
La música y el uso de la cámara lenta estilizan la imagen, en un juego original de baile a dos, las escenas del maltrato a Delia, por ejemplo, no siguen la representación habitual del maltrato machista en el cine que hemos visto.
En este un milagro laico, los guionistas van en contra de las expectativas de la espectadora. Y aciertan.
«Siempre nos quedará mañana»: el milagro de una película magnífica sobre una vida no tan bella
¿Dónde se puede ver? En el cine.
¿De qué va? Es la historia de Delia, de una mujer maltratada, que quiere una vida mejor para Marcella, su hija.
¿Por qué atrapa? Porque es original, es una historia no contada desde un punto de vista lúcido y brillante, y porque logra emocionar, la cualidad número del cine que me interesa.
Nuria con su amiga Georgina y un compañero cámara de Sevilla en el Eventoblog de 2007 cubriendo la noticia para Cámara Abierta 2.0
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«Siempre nos quedará mañana»: el milagro de una película magnífica sobre una vida no tan bella.
Comparto un extracto de este escritor neoyorquino al que adoro, que responde al nombre de Paul Auster, y que forma parte de mi vida porque sus libros me han acompañado a las duras y a las maduras, y me han hecho vivir grandes momentos como lectora. Descansa en paz, Paul. No has tenido una vida fácil aunque hayas hecho lo que hayas querido y nos hayas dado una viaje por la lectura, por la vida, alucinante.
Vivimos los peores momentos al final del invierno y al principio de la primavera. Los cheques dejaron de llegar, robaron uno de los perros, y poco a poco acabamos con toda la comida de la despensa. Solo nos quedaban, por fin, una bolsa de cebollas, una botella de aceite y un paquete de masa para empanada que alguien había comprado antes de que nosotros nos mudáramos a la casa. Un resto revenido del verano anterior. l. y yo aguantamos durante toda la mañana, pero hacia las dos y media, el hambre pudo con nosotros. Nos metimos en la cocina para preparar nuestro último almuerzo. Dada la escasez de ingredientes con que contábamos, un pastel de cebolla era el único plato posible.
«Después de que nuestro invento permaneciera en el horno lo que nos parecía un tiempo de sobra, lo sacamos, lo pusimos sobre la mesa y le hincamos el diente…»
La serie «The Crown» es una magnífica oportunidad, no sólo para interesarnos por la vida de Diana y ver documentales sobre ella y los Windsor, de esos que antes hubiéramos repudiado de forma pública, además también nos ofrece la oportunidad de aprender a dialogar de una forma limpia y clásica, aprender a escribir conflictos puros, old school, y de paso, reconocer que nadie ha encarnado mejor a Winston Churchill que John Lithgow.
Carlos y Diana están perfectamente caracterizados en «The Crown»Margaret Thatcher no se llevaba bien con la reina Isabel II aunque se respetaban. Isabel tiene que elegir entre la corona y todo lo demás.
El conflicto con Felipe de Edimburgo
Isabel II tiene en primer lugar un conflicto interno: no se siente preparada para ser reina, la muerte de su padre Jorge, al que ha llevado al trono la abdicación de su hermano Eduardo, le aboca a ser reina muy joven y tomarse en serio el reinar en el imperio Británico que luego se convertiría en la Commonwealth.
El conflicto es tradicional y clásico en «The Crown» aunque no por ello menos potente. La primera columna vertebral de dicho conflicto en la historia de Isabel II como reina se crea con su propio marido Felipe, que se se siente un segundón, siempre el último, siempre detrás de su mujer. Esto se desvela y desarrolla con mano maestra por los guionistas, en la secuencia en la que Felipe debe renunciar a que sus hijos lleven su apellido en favor del de su esposa: Windsor. Y como grita Felipe a su mujer:
-¡Soy el único hombre en Inglaterra que no puede dar su apellido a sus hijos!
Felipe e Isabel se distancian cada vez más. Felipe no soporta su papel de segundón.
Pero otro conflicto claro entre Isabel y Felipe se basa en las infidelidades del duque de Edimburgo que se saldan con una frase lapidaria de Isabel II:
—En mi caso tú siempre has sido el único al que he querido y quiero. ¿Y tú?
Aquí es muy importante un detalle a la hora de dialogar en guion. La verdad se expresa a veces mucho mejor a través del silencio.
Felipe se queda callado cuando su mujer le hace la pregunta. Y tanto los espectadores como la reina nos enteramos de su respuesta.
El silencio es un buen método a la hora de reconocer verdades difíciles.
El conflicto con Margarita
El conflicto con Margarita es quizás uno de los más amargos para Isabel II porque se lleva bien con su hermana y tiene que traicionar su propia palabra solo por el hecho de poner el deber y el servicio por encima de su familia.
Después de la guerra, Margarita se enamora del capitán Peter Townsend, que está casado. Es un romance prohibido por evidentes razones.
La mujer de Twonsend le abandona por otro hombre y este se divorcia de ella. Margarita y su amor planean casarse, pero la reina le pide a su hermana que espere al menos un año a que las cosas se calmen mientras mandan a Townsend fuera de Inglaterra. A continuación la reina le pide a su hermana que se casen en Escocia, en una iglesia pequeña, desde luego no puede ser en la abadía de Westminster.
Pero la reina, además de ser reina, es la jefa de la iglesia anglicana. Y cuando se cumple el plazo, la reina ordena a Margarita que no se case con Peter Townsend o perderá todos sus privilegios reales, su dinero.
Ese conflicto abre una brecha con su hermana para siempre.
El conflicto con Carlos
Carlos interpretado por Josh O’Connor es un desdichado, no es valiente ni muy físico, y no es el hijo que a su padre le hubiera gustado tener, mientras que su madre lo ignora.
Carlos es un hombre sensible al que alejan de casa mandándole a un internado terrible en Escocia, Gordonston, donde también se ha criado su padre. El niño vive un auténtico infierno.
El actor Josh O’Connor interpreta a Carlos de Inglaterra.
Carlos nunca se debería haber casado con Diana, a estas alturas ya lo sabemos todos. Pero su madre le presionó para que «encontrara a la chica adecuada», adecuada se traduce por virgen e inocente. El resto es historia.
Sé que no soy la madre más intuitiva del mundo, pero sé cuando un hijo mío no es feliz. Puede que ahora te sientas triste y albergues miles de dudas, pero si sigues el ejemplo de tu bisabuela, sé que al final te llegará la felicidad.
Isabel II a su hijo Carlos
Pero no, Carlos nunca es feliz.
El conflicto con Felipe de Edimburgo.
Nuria Verde Hidalgo, autora de este blog, ciclotímica y apasionada de la vida. Ama escribir. Recientemente, la escritora y periodista ha publicado, una entre catorce, El tercer hombre (Ediciones Silex, 2024) En 2020 publicó la novela El verdadero tercer hombre (Ediciones del Viento), en 2021 Los crímenes de Atapuerca (Caligrama), y en 2007 publicó Cómo crear una serie de televisión, con Gonzalo Toledano (Ediciones T&B), su primera incursión en la teoría y práctica del guion televisivo. En cuanto a su formación, es licenciada en Periodismo por la Universidad Complutense. En 2010, fue finalista en los Premios Goya con su corto, Terapia.
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Me pregunto cómo habría sido la relación de Shiv y Tom si ella no hubiera pertenecido a la familia Roy, si la pesada y ominosa sombra de su padre no se hubiera proyectado sobre el matrimonio. Porque la tragedia de esta pareja es que la familia de Shiv corrompe a la pareja y la intoxica hasta la médula, con su letal aliento en la serie «Succession».
Tom traga mucho por estar con Shiv, demasiado, y Shiv traga mucho de su padre, sacrificando a Tom por el camino, abortando una y otra vez la pureza que podría tener la relacióncon su marido.
Es paradigmático que, cuando Tom está angustiado por la posibilidad de ir a la cárcel por culpa del escándalo de los abusos sexuales a bordo de los cruceros de la familia Roy, e intenta que su mujer le escuche y consuele, Shiv no le presta atención. Cuando la llama su padre por el móvil, atiende la llamada y deja a su marido en la estacada, una y otra vez.
Desaliento y desolación. Es el sino de Tom.
La relación se ve lo mal que está cuando Shiv, fóbica al compromiso, engaña con un periodista amigo a su futuro marido, poco antes de su boda, incluso le dice a Tom la misma noche de su boda que prefiere una relación abierta de pareja para devastación de su marido.
Tom exuda tristeza, apesta a pena y desgracia, desprende infelicidad por cada poro de su piel y vive con una depresión latente y una cantidad industrial de autoengaño y negación.
¿Qué ve Shiv en Tom?
Otra pregunta que te haces viendo «Succession» es:
-¿Qué cojones ve Shiv en Tom?
Porque, seamos sinceras, Shiv podría tener al hombre que quisiera, y, sin embargo, elige a Tom como marido, un tipo pusilánime, amorfo, sumiso y sin personalidad, que nunca se planta y que pide voluntariamente a su suegro ser el chivo expiatorio del caso de los abusos sexuales en los cruceros cuando es inocente.
Logan Roy ilumina la relación de Tom y Shiv, cuando le dice antes de su boda:
—Solo te casas con él porque sabes que no te va a traicionar.
El silencio de Shiv lo dice todo porque muchas veces el silencio es infinitamente mejor que cualquier frase de diálogo.
Por fin, la verdad
Hay un escena grandiosa en la segunda temporada de «Succession» en la que, por fin, ¡aleluya! Tom se enfrenta a Shiv y le dice la verdad.
—No sé si estoy más triste estando sin ti o estando contigo.
Viendo «Succession» solo nos queda un consuelo: los ricos están destruyendo el mundo, pero qué infelices son.
Puedes ver «Succession» en HBO.
Nuria Verde Hidalgo, autora de este blog, ciclotímica y apasionada de la vida. Ama escribir. Recientemente, la escritora y periodista ha publicado, una entre catorce, El tercer hombre (Ediciones Silex, 2024) En 2020 publicó la novela El verdadero tercer hombre (Ediciones del Viento), en 2021 Los crímenes de Atapuerca (Caligrama), y en 2007 publicó Cómo crear una serie de televisión, con Gonzalo Toledano (Ediciones T&B), su primera incursión en la teoría y práctica del guion televisivo. En cuanto a su formación, es licenciada en Periodismo por la Universidad Complutense. En 2010, fue finalista en los Premios Goya con su corto, Terapia.
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Hay un dolor gótico en la segunda temporada de «Your Honor» derramado en los arbotantes de las iglesias, en las tumbas y enredaderas del cementerio y en el claroscuro del barrio francés de Nueva Orleans. Veo la serie porque me encanta Bryan Cranston como actor aunque, a veces, también me abruma con su intensidad, con su pathos. Es el mejor actor americano de ahora. No es poco. «Your Honor» el dolor y la redención de un padre.
Cranston, que interpreta al juez Michael Dessiato que se corrompe para salvar a su hijo de una muerte segura, sigue su largo calvario después que asesinen a Adam, su chaval. Pasa por la cárcel, se intenta suicidar, cae al pozo más negro de la desesperación y poco a poco va emergiendo hacia la luz.
La serie es interesante, perturbadora y dolorosa como una espina que tienes clavada en el brazo y no acabas de sacarte. La única luz la pone el nieto de Dessiato y el lento camino de redención que emprende el juez para volver a la vida, para pasar y masticar el duelo por la muerte de su hijo.
Toda la trama de los Baxter, la familia italiana de mafiosos, me interesa menos. Es reiterativa, son muy malos, sólo la hija se salva. Aunque también sufren como condenados.
Viendo la serie no dan ganas de ir a Nueva Orleans, ciudad turbia y oscura que asocio con la desaparición de Ylenia, la hija de Romina y Albano, y a la película protagonizada con Mickey Rourke, «El corazón del ángel», y con la serie «Treme» de David Simon, que me encantó, una ficción que relataba la vuelta a la vida de Nueva Orleans tras el paso del huracán Katrina.
Cuando el hijo de un respetado juez (Bryan Cranston) de Nueva Orleans se ve involucrado en un atropello y fuga, el plan de su padre porque nadie se entere conducirá a un juego de alto riesgo lleno de mentiras, engaños y decisiones imposibles. Todo se complicará más cuando se descubre quién era la víctima y las consecuencias de su identidad.
«Your Honor» el dolor y la redención de un padre.
La segunda temporada de «Your Honor» es más sombría, más lenta, más dolorosa que la primera. Profundiza en la corrupción, en el encubrimiento y en los oscuros juegos de poder.
Las interpretaciones son excelentes. Falla cuando nos vamos a los privilegiados, como la familia Baxter, y sus tejemanejes tétricos y avaros. Tengo una sensación de dejá vu.
¿Dónde puedes ver «Your Honor»? En Movistar +
Lo mejor: La interpretación de Bryan Cranston.
Lo peor: Las tramas confusas.
¿Con quién verla? A solas.
Nuria Verde Hidalgo, autora de este blog, ciclotímica y apasionada de la vida. Ama escribir. Recientemente, la escritora y periodista ha publicado, una entre catorce, El tercer hombre (Ediciones Silex, 2024) En 2020 publicó la novela El verdadero tercer hombre (Ediciones del Viento), en 2021 Los crímenes de Atapuerca (Caligrama), y en 2007 publicó Cómo crear una serie de televisión, con Gonzalo Toledano (Ediciones T&B), su primera incursión en la teoría y práctica del guion televisivo. En cuanto a su formación, es licenciada en Periodismo por la Universidad Complutense. En 2010, fue finalista en los Premios Goya con su corto, Terapia.
Más que un biopic, «Spencer» es una película de terror psicológico. Enseguida, me identifico con una persona tan perdida y tan sola como Diana a pesar de que mi madre la pone a parir aunque también reconoce que se casó demasiado joven. «Spencer», el naufragio interior de Diana
El ambiente de la familia Windsor es malsano y helador. La caída mental de Diana Spencer no tiene fin, acompañada por una banda sonora jazzística desasosegante.
Es difícil no sentir compasión por una criatura tan acorralada como Diana Spencer en sus últimas Navidades en Sandringham, Norfolk, Inglaterra, en un universo cerrado y acotado dentro de un castillo, donde siempre hace mucho frío y ella se debe cambiar de ropa cada dos por tres mientras su familia política dispara faisanes a la vez que le coarta la relación que tiene con sus hijos.
Diana está enferma mentalmente, sufre y es profundamente infeliz dentro del sistema Windsor. Nos lo cuenta Pedro Larrain, quien tras «Jackie», le ha dado una vuelta muy personal al género del biopic, que salvo en el caso de la película sobre Johnny Cash, me horroriza.
Larrain ya me puso los pelos de punta con la peli «El club», sobre unos curas pedrastas a los que la Iglesia católica juntaba en una casa apartada y daba un mal rollo que te pasas.
«Spencer» cuenta la historia de un fin de semana crucial a principios de los años 90, cuando la princesa Diana -de nombre Diana Frances Spencer- decidió que su matrimonio con el príncipe Carlos no estaba funcionando, y que necesitaba desviarse de un camino que la había puesto en primera fila para algún día ser reina… El drama tiene lugar durante tres días, en una de sus últimas vacaciones de Navidad en la Casa de Windsor en su finca de Sandringham en Norfolk, Inglaterra.
Me conozco a la historia, pero aun así no puedo dejar de ver «Spencer» aunque a veces me haga daño por ser eco de mis propias crisis mentalesy depresiones. Diana está atenazada por la bulimia y la depresión, distanciada de Carlos, que aparece como un figura fría y egoísta, unido a la cofradía del santo reproche y deambulando por un castillo de Sandringham como la versión femenina y devastada del fantasma de Canterville.
La película brilla por su retrato del malestar emocional in crescendo. Aunque los símbolos visuales son facilones: las cortinas, las perlas, el frío, la escalera que se rompe.
Una curiosidad de la realización de Pablo Larrain: nunca se muestra la cara de la reina ni del resto de la familia real, excepto Carlos, hasta el final.
Pobre Diana. Las debió pasar putas en la casa Windsor.
En «Spencer», Larrain acierta al concentrar la acción durante tres siniestros días de Navidad, en medio de un frío helador, contándonos la historia de una mujer que está en su peor momento, que hace demasiado tiempo que dejó de encontrarse bien, que está enferma ante la indiferencia y la irritación de su familia política que solo la quiere para hacerse la foto, y para que aparezca con el vestido adecuado en una cena en la que no le hablan.
Los momentos más cálidos de la película corresponden a los que pasa Diana con sus hijos, y son su criada interpretada por una Sally Hawkings que siempre está bien.
En ocasiones, la acción se torna reiterativa, pero es porque nos encontramos en la cabeza de Diana, cuya ansiedad, miedos, y paranoia se rumian en bucle.
Hay una nota feminista, en una familia machista, aunque matriarcal, como la familia Windsor. Carlos puede tener a una amante, pero Diana no, Carlos puede hacer lo que le salga de las pelotas, pero Diana no, Carlos puede obligar a su hijo William a cazar faisanes, aunque le den miedo las armas, pero Diana no puede negarse.
Escribo algunas perlas del diálogo de la película:
Diana con sus hijos:
—¿Estudiáis los tiempos verbales?
—Sí.
—Pues a aquí solo hay pasado, no hay ni presente ni futuro.
¿Dónde puedes ver «Spencer»? En Amazon Prime Video.
Lo mejor: Kirsten Stewart en su mejor papel.
Lo peor: Se repiten muchos elementos del guion.
Nuria Verde Hidalgo, autora de este blog, ciclotímica y apasionada de la vida. Ama escribir. Recientemente, la escritora y periodista ha publicado, una entre catorce, El tercer hombre (Ediciones Silex, 2024) En 2020 publicó la novela El verdadero tercer hombre (Ediciones del Viento), en 2021 Los crímenes de Atapuerca (Caligrama), y en 2007 publicó Cómo crear una serie de televisión, con Gonzalo Toledano (Ediciones T&B), su primera incursión en la teoría y práctica del guion televisivo. En cuanto a su formación, es licenciada en Periodismo por la Universidad Complutense. En 2010, fue finalista en los Premios Goya con su corto, Terapia.
«Quentin Tarantino nos da el siguiente buen consejo: dialoga como habla la gente. Para eso hay que escuchar cómo habla la gente, afinar el oído, tomar notas, ejercitar la memoria. Dialoga como habla la gente: el ejemplo de «Mare of Easttown.
Otra regla básica a la hora de dialogar es saber que cada personaje tiene su forma de hablar según su bagaje, educación, origen social, lugar de nacimiento. Cuando oigo a los policías de Servir y Proteger de un barrio del sur de Madrid decir:
—Pepita se va a Donosti.
Me salen ampollas. Nadie en Madrid dice Donosti y menos en un barrio. San Sebastián, merluzos.
Igual que Kate Winslet se tuvo que sumergir en el personaje de Mare en la serie de HBO, «Mare of Easttown», nosotros tenemos que ser nuestros personajes.
Estuve más inmersa en Mare que en cualquier otro personaje que he interpretado. Kate Winslet
Los diálogos de «Mare of Easttown» son realistas. Mare dice tacos, jura según su tradición católica y demuestra sus orígenes obreros y el hecho de que no ha ido a la universidad ni ha salido de su pueblo. Me recuerda a mis tías de Arguedas, Navarra, el pueblo de mi padre. Tiene ese realismo agreste y definitivo, ese sarcasmo defensivo, esas frases lapidarias y lacónicas y tajantes que dicen mis tías navarras. Funciona.
No hay muchos motivos para la esperanza y la alegría en Easttown.
¿Cómo lo lleva, Bethy? Cura Bueno, su madre tiene Parkinson, su hermano la roba para pagarse la droga y ella se pregunta dónde se ha escondido Dios. Mare
Son diálogos punzantes, directos, furiosos si salen de la boca de Mare, educados y amables si los pronuncia Colin, su nuevo compañero en la comisaría, amargos si los dice la madre de Katie, la chica desaparecida, rebeldes si los grita la hija adolescente de Mare y lapidarios si salen de la boca de la madre de Mare. Cada personaje tiene su propia manera y tono al hablar.
Una característica que se repite es el origen obrero de los diálogos, excepto si quien habla es Colin (un chico amable y educado de una gran ciudad) o Richard (ligue de Mare, un profesor Universitario y además escritor)
Kate Winslet borda el personaje de Mare en la serie de HBO.
Y dentro del rango de la ira hay que diferenciar según sean el alma y corazón de los personajes. No es lo mismo la rabia frustrada de Mare, que tiene buen corazón, que la rabia agresiva del padre de Erin, que le grita a su hija con odio (y por muy enfadada que esté Mare nunca le habría gritado eso a su hija)
Porque yo estoy pagando los pañales, porque yo estoy pagando las toallitas. ¡Todo por su hijo! ¡Su hijo!¡No pienso pagar ni una puta cosa más! Padre de Erin a Erin.
Mare y su hija adolescente tienen peloteras pero se quieren. Mare quiere que su hija tenga una vida mejor.
Tampoco los adolescentes hablan todos igual, aunque compartan un origen común y un contexto similar. No habla igual Erin que Briana ni la hija de Mare que Dylan, el padre de DJ, el bebé que tiene con Erin. Y depende con quién hablen, por supuesto.
Por ejemplo, Erin tiene miedo de su padre. Con él se muestra sumisa y cauta como si estuviera pisando un campo de minas. Le miente para evitar sus ataques de ira.
Ha dicho que sí, que él pagará la operación de D.J. Erin a su padre
Cuando Erin habla con él, su intención es apaciguarlo. Sin embargo, cuando Erin se enfrenta a Briana, su némesis, su intención es defenderse. O cuando Erin habla con su mejor amiga antes de una cita, su registro cambiaa un código de complicidad.
Alégrate por mí. ¡He quedado con un tío! Erin
Los personajes se expresan a través de sus gestos, actos, miradas y también mediante el diálogo. Te animo a que empieces a oír las voces de tus personajes en tu cabeza.
Nuria Verde Hidalgo, autora de este blog, ciclotímica y apasionada de la vida. Ama escribir. Recientemente, la escritora y periodista ha publicado, una entre catorce, El tercer hombre (Ediciones Silex, 2024) En 2020 publicó la novela El verdadero tercer hombre (Ediciones del Viento), en 2021 Los crímenes de Atapuerca (Caligrama), y en 2007 publicó Cómo crear una serie de televisión, con Gonzalo Toledano (Ediciones T&B), su primera incursión en la teoría y práctica del guion televisivo. En cuanto a su formación, es licenciada en Periodismo por la Universidad Complutense. En 2010, fue finalista en los Premios Goya con su corto, Terapia.
Dialoga como habla la gente: el ejemplo de «Mare of Easttown.
Fragmento extraído de Cómo crear una serie de televisión (Ediciones T&B) de Nuria Verde y Gonzalo Toledano.
Acabamos de escribir el título de la serie y hemos pasado a la siguiente hoja. De nueve el terror nos invade. Frente a nosotros, resplandece, amenazador, otro maldito folio en blanco. Y ahora qué? ¿Qué hacemos? ¿Qué escribimos?
Vender la serie en una línea
Ha llegado la hora de vender la serie en una línea, ponernos en plan Don Draper y redactar un slogan que atraiga y capte la atención de quien lea nuestra biblia, una frase apetecible que haga muy muy atractiva nuestra serie. ¿Seremos capaces?
Yo creo que sí y sino invoquemos a Melpómene y Talía, nuestras musas favoritas, para que nos echen una mano.
El segundo folio de nuestra biblia está dedicado a lo que técnicamente en inglés se llama «pitch».
Donde la verdad, miente Pitch de Mad Men
Cuando el alcohol era ilegal, los ilegales se convirtieron en reyes. Broadwalk Empire.
La familia redefinida. Los Soprano.
Cada día que pasas sobre la tierra es un buen día A dos metros bajo tierra
Todas las cosas, todas las personas, todos los lugares tienen su final. A dos metros bajo tierra.
El invierno se acerca. Juego de tronos
El pitch es la idea y la premisa de la serie contada brevemente, que puede ser más de una línea, se trata de un minuto, lo máximo que nos escucharán si tenemos una reunión, vender nuestra serie. Se trata de encender una pequeña brasa que más adelante nos permita encender una hoguera.
En el mundo audiovisual, es imprescindible sintetizar tu trabajo con un pitch atractivo que seduzca al comprador. El tiempo es oro. Cuantas veces oímos en boca de productores y ejecutivos: Vale, vale, está muy bien eso que dices, pero déjate de batallitas y al grano. Concreta, resume tu serie.
Es de locos, pero a veces, en la vida, hay que afrontar situaciones comprometidas para lograr nuestros objetivos.
Condensar
El pitch es condensar nuestra serie en unas pocas líneas fáciles de leer, que den una idea por donde van los tiros de nuestra ficción. Es una tarea más propia de un publicista que de un guionista, pero es lo que hay. Tenemos que hacerlo.
La publicidad afecta a la totalidad de la vida, incluso a las relaciones personales, cuando vendemos nuestro humor, inteligencia, creatividad.
Tenemos que llevar nuestra idea al punto de ebullición y lanzar un anzuelo a un ejecutivo para que éste pique el cebo. Porque el pitch no deja de ser un cebo, un reclamo.
El pitch tiene que ser corto, original, impactante y que insinúe para enganchar al lector. Se pueden utilizar todos los recursos estilísticos: onomatopeyas, aliteraciones, contrastes, rimas. Son muy utilizados los juegos de palabras que obligan a pensar al lector y, por lo tanto, que se quede con la idea.
Y pasamos al tercer folio de la biblia que es:
El punto de arranque.
Nuria Verde Hidalgo, autora de este blog, ciclotímica y apasionada de la vida. Ama escribir. Recientemente, la escritora y periodista ha publicado, una entre catorce, El tercer hombre (Ediciones Silex, 2024) En 2020 publicó la novela El verdadero tercer hombre (Ediciones del Viento), en 2021 Los crímenes de Atapuerca (Caligrama), y en 2007 publicó Cómo crear una serie de televisión, con Gonzalo Toledano (Ediciones T&B), su primera incursión en la teoría y práctica del guion televisivo. En cuanto a su formación, es licenciada en Periodismo por la Universidad Complutense. En 2010, fue finalista en los Premios Goya con su corto, Terapia.
En Estados Unidos, los arranques de las series son cruciales. Los pilotos marcan el nacimiento o muerte de una ficción. El sistema americano de venta se asienta en un calendario preciso. En septiembre, los productores financian las grabaciones de los pilotos de sus series, pero, una vez terminados, presentárselos a las cadenas en pases privados. Cómo escribir un piloto.
El siguiente paso de un productor es intentar amortizarlo en el mercado de los telefilms. Actualmente, se están dando a conocer los pilotos rechazados por las cadenas para que la opinión popular presione para darles unas segunda oportunidad.
La serie «Nobody’s Watching» se salvó gracias a los espectadores.
Es lo que pasó con la serie «Nobody’s Watchig·, creada por Bill Lawrence, autor de «Scrubs» o «Spin City».
Alguien colgó el piloto rechazado en YouTube y tuvo más de 300.000 descargas.
En un despacho de la NBC un productor ejecutivo dio vida a la serie encargando a Bill seis capítulos más.
La serie narra las aventuras de dos amigos muy locos que logran vender su propia serie a una importante cadena de televisión.
Cómo escribir un piloto.
2. El piloto entra en la parrilla en enero, a la mitad de la temporada.
Normalmente esto pasa porque se cancela alguna serie.
3. El piloto es admitido para la siguiente temporada.
El anuncio es en mayo y la emisión en septiembre.
Fragmento del libro «Como crear una serie de televisión» (ediciones T&B) de Nuria Verde y Gonzalo Toledano.
Cómo escribir un piloto.
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Nuria Verde Hidalgo, autora de este blog, ciclotímica y apasionada de la vida. Ama escribir. Recientemente, la escritora y periodista ha publicado, una entre catorce, El tercer hombre (Ediciones Silex, 2024) En 2020 publicó la novela El verdadero tercer hombre (Ediciones del Viento), en 2021 Los crímenes de Atapuerca (Caligrama), y en 2007 publicó Cómo crear una serie de televisión, con Gonzalo Toledano (Ediciones T&B), su primera incursión en la teoría y práctica del guion televisivo. En cuanto a su formación, es licenciada en Periodismo por la Universidad Complutense. En 2010, fue finalista en los Premios Goya con su corto, Terapia.
¿Qué pensáis sobre la monogamia? ¿Hasta qué puntos os sois fieles? Preguntas incómodas para un matrimonio heterosexual que lleva junto diez años, un año y diez meses más que la media de los matrimonios estadounidenses. Una psicóloga, a la que Óscar Isaac aka Jonathan en «Secretos de un matrimonios», la adaptación de la clásica serie «Escenas de un matrimonio» de Bergman, ha conocido en la guardería de su hija Ava, está escribiendo una tesis cuya teoría es la siguiente: si la mujer se encarga de llevar el dinero a casa, y el hombre de cuidar a los hijos, el matrimonio funciona mejor.
La serie examina la representación icónica de amor, el matrimonio, el divorcio, el deseo a través de una pareja neoyorkina contemporánea. Los diálogos suenan más suavizados, menos crueles y contundentes que los de la serie de Bergman de 1973.
Es el pistoletazo de salida de la nueva serie, el estreno del año, de HBO: «Secretos de un matrimonio» de Hagai Levi. El director y guionista israelí ha cambiado los roles de la pareja. Si en la serie de Bergman, el marido era el dominante, el villano de la historia, quien se había enamorado de una mujer más joven y dejaba a su esposa de toda la vida, en «Secretos de un matrimonio» de HBO, Jessica Chastain es la dominante, y Oscar Isaac, el sumiso. Dice Levi que la gente no querría ver una serie donde se diseccionara la pareja y el marido fuera el ‘malo’ y añade que para que «Secretos de un matrimonio» funcionase, la mujer tenía que llevar la voz cantante. Discutible quizás, pero en la serie funciona.
Capitalismo de pareja
«Secretos de un matrimonio» es una serie de personajes, mucho diálogo, cenas de parejas e interiores al estilo de la película de Woody Allen «Maridos y mujeres». El matrimonio a examen, disección de la pareja hetero de larga duración, y la voluntad de poner sobre la mesa, con un estilo teatral muy parecido a la serie «En terapia», cuestiones como el amor, odio, sexo, fidelidad, infidelidad, pasión, monotonía, rutina, aburrimiento, y crianza de los hijos.
Ahí es nada. Capitalismo de pareja. Capitalismo de pareja.
El piloto empieza con la presentación de los dos personajes principales, Mira e Isaac, y su matrimonio, a través de una entrevista para la tesis que les hace una psicóloga, Valentine, quien estudia los matrimonios monógamos de larga duración, ¡socorro! Ellos forman una pareja que lleva junta desde la Universidad, él proviene de una familia ultraortodoxa judía, ella de una familia cristiana, sin compromiso con la religión. En un principio, polos opuestos que han logrado un delicado equilibrio, y «la pasión no dura para siempre», dice Mira, no sabes si con tristeza o aceptación.
La mujer es la egoísta es esta serie que trata sobre el divorcio. Sus discusiones profundas de matrimonio en crisis son cuestionables, pero hay que reconocer que los actores se dejan la piel en la serie.
En el matrimonio de Mira y Jonathan late un entumecimiento emocional, una resignación insatisfaceha que es propia de todos los matrimonios largos con hijos pequeños, que esconde una decepción en «la que todo hace daño», en palabras de Mira.
Sin embargo, para Jonathan, la imagen idealizada del matrimonio que nos tiene que aportar excitación y emoción es un espejo del consumismo propio del capitalismo, que se carga a las parejas con la creencia de que siempre se tiene que estar bien y todo tiene que ser nuevo. Mueve mucho dinero en libros de auto ayuda y terapias de pareja el cómo conseguir el éxito en el matrimonio. Nuestra cultura genera expectativas increíbles sobre la pareja que son clichés sobre el amor romántico, un constructo de películas, novelas y series de televisión.
«Secretos de un matrimonio» es una serie de personajes y diálogos, que recuerda muchísimo a las mejores películas de Woody Allen antes de separarse de Mia Farrow.
La serie es un buen ejemplo para estudiar las secuencias largas y los giros de guion internos que tienen este tipo de secuencias basadas en dos factores: la interpretación de los personajes y el diálogo.
En la secuencia del piloto, en la que Mira y Jonathan cenan, con sus amigos Kate y Peter, se puede ver cómo se escriben esos giros de guion y se cambia de un estado inicial de positivo en la secuencia hacia un estado final negativo que se produce cuando Kate abandona la cena con cajas destempladas gritando que está harta de ese fascismo social, que puede hablar de todo menos de lo que más le importa en la vida.
Nos damos cuenta, cuando Kate está sufriendo por el abandono de su amante, Nathan, quien ya no quiere llevar una doble vida, de que Kate sufre por un amante, no por un marido, y también nos damos cuenta de que Kate y Peter una relación abierta en su matrimonio, una relación abierta herida de muerte. Peter y Kate expresan su crisis delante de sus mejores amigos, aunque Peter intenta parar el estallido emocional de descontento e infelicidad de su mujer: «igual no quieren oírlo», dice Peter. Pero Mira y Jonathan lo oyen. No les queda otra opción.
La miniserie de Bergman impactó a toda una sociedad al retratar con mucha verdad a una pareja en crisis.
Puedes ver «Secretos de un matrimonio» en HBO.
Nuria Verde Hidalgo, autora de este blog, ciclotímica y apasionada de la vida. Ama escribir. Recientemente, la escritora y periodista ha publicado, una entre catorce, El tercer hombre (Ediciones Silex, 2024) En 2020 publicó la novela El verdadero tercer hombre (Ediciones del Viento), en 2021 Los crímenes de Atapuerca (Caligrama), y en 2007 publicó Cómo crear una serie de televisión, con Gonzalo Toledano (Ediciones T&B), su primera incursión en la teoría y práctica del guion televisivo. En cuanto a su formación, es licenciada en Periodismo por la Universidad Complutense. En 2010, fue finalista en los Premios Goya con su corto, Terapia.
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En el primer capítulo de la tercera temporada de la serie «The sinner» nos encontramos con una secuencia entre Bill Pullman y su comisario, su jefe, que es un buen ejemplo de cómo empezar a dialogar una secuencia desde la mitad, ahorrándonos un montón de prolegómenos. Una de las cuestiones que más sorprenden de las secuencias de las series americanas es que suelen ser cortas, tienen más ritmo que las de las ficciones españolas. Vamos
Bill: Vaya, enhorabuena.
Comisario: Sí, me jubilo.
Bill: Sin ti, la comisaría no será la misma.
Pero el diálogo también sirve para dar información:
Comisario: Desde el caso del pasado verano con ese niño, no soy el mismo.
En otra secuencia, Bill Pullman habla con su hija, quien está preocupada por el hecho de que su padre viva tan aislado, metido en el bosque. Una vez más, el diálogo sirve para sembrar hechos futuros y para revelar información útil para la historia que estamos contando.
Hija: ¿Qué harías en caso de urgencia? No tienes cobertura, papá.
Bill Pullman es un policía que quiere demostrar que todavía es útil a pesar de la edad y no quiere jubilarse.
En el primer capítulo de «The Sinner» también aparece otra función esencial del diálogo: la de crear conficto. Es el diálogo que rompe la cotidianidad y crea tensión.
Ocurre cuando un amigo de la Universidad de Matt Bomer se presenta de improviso en la casa de éste y su mujer embarazada. Matt no quiere saber nada de su amigo, le crea mucha angustia su presencia, pero su mujer le invita a cenar.
Mujer: ¿Y de qué os conocéis?
Matt: De la universidad.
Amigo: Tú no me querías.
El amigo va a revelar un secreto delante de su mujer que Matt no quiere que salga a la luz. Una sola línea de diálogo y la tensión se corta como mantequilla blanda.
La teoría de la iluminación también es otra de las leyes del diálogo. Esta teoría dice que un personaje ilumina a otro con algo que dice sobre él.
Por ejemplo, sobre Bill Pullman (Harry Ambrose):
Harry es de los que no aceptan órdenes.
Además el diálogo hace avanzar la historia. En la tercera temporada la pintora, que vive en la casa frente a la carretera donde tiene lugar el accidente de coche en el que van Matt Bomer (Jamie Burns)y su supuesto amigo, le dice a Bill Pullman:
-Jamie Burns merodeaba por donde sucedió el accidente.
O cuando Bill Pullman le dice a un subinspector con el que comparte la investigación del caso:
-El móvil no tiene huellas.
Algunos pecados no se quedan enterrados.
Puedes ver «The sinner» en Netflix.
Nuria Verde Hidalgo, autora de este blog, ciclotímica y apasionada de la vida. Ama escribir. Recientemente, la escritora y periodista ha publicado, una entre catorce, El tercer hombre (Ediciones Silex, 2024) En 2020 publicó la novela El verdadero tercer hombre (Ediciones del Viento), en 2021 Los crímenes de Atapuerca (Caligrama), y en 2007 publicó Cómo crear una serie de televisión, con Gonzalo Toledano (Ediciones T&B), su primera incursión en la teoría y práctica del guion televisivo. En cuanto a su formación, es licenciada en Periodismo por la Universidad Complutense. En 2010, fue finalista en los Premios Goya con su corto, Terapia. Tienes otras de mis novelas en Wattpad.
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A A veces un personaje cuenta cosas terribles a un desconocido y aun así, el diálogo resulta verosímil y creíble. A veces en la vida -y los mejores guiones son espejos de mentira de la verdad de la vida-es más fácil contar secretos a un desconocido que a un ser querido porque sabemos que a ese desconocido no lo vamos a ver más, porque necesitamos desahogarnos emocionalmente y creemos atisbar en ese desconocido un destello de empatía y comprensión, o solo porque como decía Blanche DuBois en un «Tranvía llamado Deseo»: «Siempre he confiado en la bondad de los desconocidos».. ,.s
«Siempre he confiado en la bondad de los desconocidos», dice Blanche DuBois.
A Don Draper, el protagonista de la serie Mad Men, le resulta más fácil contarle cosas a desconocidas que a su mujer Betty, o confiarle secretos de niñez a una amante, Rachel Menken, con quien tiene una auténtica conexión. Don es un hombre enigmático, que ha adoptado una nueva identidad para enterrar su pasado, niñez y familia, para huir de sus demonios personales y empezar desde cero, con un nombre más lustroso y prometedor: Don Draper.
Don Draper prefiere contar su intimidad a desconocidas antes que a su mujer.
En Fleabag, la protagonista prefiere desnudarse y revelar sus remordimientos a causa de la muerte de su mejor amiga a un cliente de su cafetería que es gerente de un banco. Sin embargo, no le abre su corazón a su hermana o a su padre, quizás porque si un desconocido te juzga te importa menos que si te juzga alguien a quien quieres.
Fleabag prefiere confiar en un cliente de su cafetería.
Otro ejemplo es After Life, una serie transida de melancolía y humor negro. Rick Gervais abre su alma a una desconocida que se encuentra en la misma situación que él: viuda y visitando de su cónyuge en el cementerio. Ahí le confiesa su depre y cuánto echa de menos a su mujer muerta.
Rick Gervais y sus confesiones en el cementerio.
Porque todos necesitamos la bondad de los desconocidos como Blanche Dubois.
Nuria Verde Hidalgo, autora de este blog, ciclotímica y apasionada de la vida. Ama escribir. Recientemente, la escritora y periodista ha publicado, una entre catorce, El tercer hombre (Ediciones Silex, 2024) En 2020 publicó la novela El verdadero tercer hombre (Ediciones del Viento), en 2021 Los crímenes de Atapuerca (Caligrama), y en 2007 publicó Cómo crear una serie de televisión, con Gonzalo Toledano (Ediciones T&B), su primera incursión en la teoría y práctica del guion televisivo. En cuanto a su formación, es licenciada en Periodismo por la Universidad Complutense. En 2010, fue finalista en los Premios Goya con su corto, Terapia.
Viendo «La promesa», mamá dice que le parece exagerado, a veces, lo mal que algunos aristócratas tratan al servicio en el palacio de Luján, que, en realidad, pertenece a Tamara Falcó, hija de fallecido Carlos Falcó, marqués de Griñón, pero yo creo que se ajustan bastante bien a la realidad de la época, y a otras realidades también de la actualidad en los juegos de poder de los ricos con los pobres, de los poderosos con los débiles en los trabajos de nuestro voraz capitalismo, de los explotadores con las mujeres inmigrantes que vienen a España con una mano delante y otra detrás. Pero mamá, me diría que hago demagogia barata, y me callo para no tener una discusión. «La promesa»: los secretos de un melodrama.
Sentadas en nuestros sofás de Gastón y Daniela frente a una tele inmensa y moderna que mi madre no acaba de comprender aunque se maneja, asistimos al siguiente diálogo entre Jimena y Manuel, refiriéndose a Jana Expósito:
—Pero ¿quién se cree que es? Una simple criada— dice Jimena.
—Vosotros la tratáis como una criada.
En «La Promesa» los guionistas utilizan muy a menudo la teoría de la iluminación para esclarecer el carácter de un personaje. Es decir, la opinión de un personaje ilumina cómo es otro par en la ficción. Es lo que hace Martina, por ejemplo, cuando habla de su padre con el marqués.
—Tiene mal carácter. Pero a usted no se atreverá a tratarlo mal.
El marqués va a avisar a su hermano de que su sobrina está en su casa, pero al final cuelga porque se apiada de su sobrina.
—Martina evoluciona a peor como personaje. Cuando llegó a La Promesa no era tan gilipollas— dice mamá.
—Pero tus padres te quieren bien, ¿verdad?— pregunta el marqués a Martina.
—Mis padres me quieren mucho, pero no bien.
Catalina entra de repente.
—¿Vienes a darme malas noticias?— pregunta el marqués a su hija favorita.
—Venía a darle información financiera. No quiero ser pájaro de mal aguero. O acepta el préstamo de Lorenzo o nos vamos a la ruina.
¿Dónde puedes ver «La Promesa»? En RTVE Play.
¿De qué va? El mundo entero está al borde del abismo, pero hay remansos de paz aislados de los conflictos. Como el Palacio La Promesa, en el valle de Los Pedroches, propiedad de los Marqueses de Luján, uno de los mayores terratenientes del país. Ese día el Palacio se viste de gala para celebrar la boda del heredero, Tomás. Recién terminado el convite, la aparición de un aeroplano atrae la atención de todos. Lo pilota Manuel (Arturo Sancho), hijo de los Marqueses. De repente, el aparato pierde altura hasta estrellarse. Manuel está a punto de ser consumido por las llamas; pero alguien consigue salvarlo: Jana (Ana Garcés). El Marqués le ofrece una recompensa económica, pero ella solo quiere trabajo en el Palacio y tiene un motivo claro: hacer justicia a su madre asesinada hace quince años, e investigar el paradero de su hermano, secuestrado cuando era un recién nacido. Y la única pista que tiene guarda relación con los Marqueses de Luján. Ha llegado el momento de vengarse. Solo hay un elemento con el que no había contado: Manuel, hijo de los Marqueses… y la última persona de la que esperaría enamorarse.
Lo mejor: Los guiones y Marga Martínez, actriz imperial que interpreta a Petra.
Lo peor: Algunas tramas de continuidad personal como la de Salvador y María Fernández son un muermo.
¿Con quién verla? A solas. Es un melodrama folletinesco perfecto para desconectar.
Nuria Verde Hidalgo, autora de este blog, ciclotímica y apasionada de la vida. Ama escribir. Recientemente, la escritora y periodista ha publicado, una entre catorce, El tercer hombre (Ediciones Silex, 2024) En 2020 publicó la novela El verdadero tercer hombre (Ediciones del Viento), en 2021 Los crímenes de Atapuerca (Caligrama), y en 2007 publicó Cómo crear una serie de televisión, con Gonzalo Toledano (Ediciones T&B), su primera incursión en la teoría y práctica del guion televisivo. En cuanto a su formación, es licenciada en Periodismo por la Universidad Complutense. En 2010, fue finalista en los Premios Goya con su corto, Terapia.
«Sinceramente, no puedo imaginarme con 40 años. Me sorprende haber llegado a los 30”, dice Paul Mescal, que interpreta a un padre deprimido, que oculta su sufrimiento para proteger a su hija, fuma compulsivamente mientras asiste atónito y paralizado al derrumbe de su vida.»Aftersun»: añoranza por un padre de verano.
Es una peli indie, que me ha gustado mucho, sobre todo porque Paul Mescal me recuerda a mi propio padre, vitalista y melancólico, al que amaba con locura, y que murió en julio de 2018.
“¿Nunca te sientes como si acabaras de vivir un día increíble y luego llegas a casa y te sientes cansado y deprimido, y… sientes que tus huesos no funcionan? Simplemente, están cansados y todo está cansado. Como si te estuvieras hundiendo. No sé, es raro.”
“Una vez que abandonas el sitio donde creciste, existe ese sentimiento de que ya no pertenecerás a ese lugar nunca más.”
La prestigiosa productora de cine independiente A24 pone la película en marcha. Es una historia personal, que abusa de los vídeos caseros de verano, en la que sus personajes me importan y me llenan de emociones, que habla de la depresión, que trata la mirada de adulta hacia unas vivencias de la niñez, época en la que no comprendíamos nada.
This is our last dance This is our last dance This is ourselves Under pressure Under pressure.
Esa secuencia del baile de padre e hija con esa canción es maravillosa y me llena de reminiscencias y de una añoranza salvaje por mi propio padre.
¿Dónde puedes ver «Aftersun»? En Movistar +.
¿De qué va? Sophie (Francesca Corio / Celia Rowlson-Hall como la Sophie adulta) reflexiona sobre la alegría compartida y la melancolía privada de unas vacaciones que hizo con su padre (Paul Mescal) 20 años atrás. Los recuerdos reales e imaginarios llenan los espacios entre las imágenes mientras intenta reconciliar al padre que conoció con el hombre que no conoció.
Lo mejor: Es una peli muy hermosa.
Lo peor: Es una historia muy personal. O conectas o no conectas.
¿Por qué me atrapa? Es una historia sensible y diferente. Hay una autora detrás.
¿Con quién ver la peli? A solas.
Nuria Verde, periodista y escritora.
Nuria Verde Hidalgo, autora de este blog, ciclotímica y apasionada de la vida. Ama escribir. Recientemente, la escritora y periodista ha publicado, una entre catorce, El tercer hombre (Ediciones Silex, 2024) En 2020 publicó la novela El verdadero tercer hombre (Ediciones del Viento), en 2021 Los crímenes de Atapuerca (Caligrama), y en 2007 publicó Cómo crear una serie de televisión, con Gonzalo Toledano (Ediciones T&B), su primera incursión en la teoría y práctica del guion televisivo. En cuanto a su formación, es licenciada en Periodismo por la Universidad Complutense. En 2010, fue finalista en los Premios Goya con su corto, Terapia.
Derek Jacobi y Anne Reid vuelven a encontrarse tras 60 años, siendo viudos
Os recomiendo esta serie: «Last tango in Halifax», que cuenta la historia de Alan y Celia, dos viudos que estuvieron enamorados en su adolescencia y se dan una oportunidad tras media vida de separación, cuando tenían 16 años, Alan le dio una carta a una amiga de Celia, pero esta jamás entregó la misiva a su enamorada. Una serie que os recomiendo de corazón. Hay que ver Last tango in Halifax por cinco razones:
1. Está creada por la showrunner británica Sally Wainwright y eso siempre es sello de calidad. En esta ocasión la guionista se ha basado en la propia historia de su madre, quien tras quedarse viuda, buscó a un primer amor por Facebook a quien había perdido la pista y se casó con él. Según ella misma reconoce, es su serie más personal.
2. Es una historia llena de humanidad y vida. . Al igual que todas las series de Wainwright pero aquí se refleja un mundo que algunos añoran: el de la Inglaterra rural que rara vez sale representado en las series de televisión, salvo como una caricatura satírica. El tono de Sally es emotivo, tragicómico.
3. La historia de amor entre Caroline y Kate está llena de emoción verdadera. Hay escenas memorables, y diálogos conmovedores. Es diferente a cualquier relación de amor que hayas visto en televisión. Sarah Lacanshire se despoja de su dureza de policía de Happy Valley para encarnar a una profesora de ciencias madura de un colegio privado de una ciudad de provincias inglesa, cuyo marido la ha abandonado por otra escritora más joven, y, de repente, para su propio desconcierto y horror, se enamora de otra profesora de su colegio, Kate, quien se ha colado por ella y parece tener las cosas mucho más claras.
Celia y Alan se divierten reverdeciendo tiernos brotes de su adolescencia. La historia de amor entre Kate y Caroline, dos mujeres maduras, es maravillosa. Orgullo en la mediana edad, algo que no suelen reflejar las series de televisión.
4. Está muy bien contada. Sally Wainwright es un talento para crear tramas y dialogar, y esa capacidad como guionista se pone de manifiesto en Last tango in Halifax al servicio de una historia autobiográfica.
5. No hay mucho cliché para la historia costumbrista que es Last tango in Halifax. La madre se opone a la historia de amor de su hija, lógico, pero por ejemplo Alan, su novio viejales, no es nada cerrado y le acusa de juzgar a su hija. La familia más rural y pobre no son súper paletos, y Caroline, próspera y educada, no es insoportable. Los diálogos son realistas como si la propia Sally Wainwrght los hubiera vivido en la vida real. Quizás lo hizo.
Una serie que os recomiendo de corazón.
Nuria Verde Hidalgo, autora de este blog, ciclotímica y apasionada de la vida. Ama escribir. Recientemente, la escritora y periodista ha publicado, una entre catorce, El tercer hombre (Ediciones Silex, 2024) En 2020 publicó la novela El verdadero tercer hombre (Ediciones del Viento), en 2021 Los crímenes de Atapuerca (Caligrama), y en 2007 publicó Cómo crear una serie de televisión, con Gonzalo Toledano (Ediciones T&B), su primera incursión en la teoría y práctica del guion televisivo. En cuanto a su formación, es licenciada en Periodismo por la Universidad Complutense. En 2010, fue finalista en los Premios Goya con su corto, Terapia.
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Nuria Verde
Nací en Madrid, en 1971. Soy licenciada en Periodismo por la Universidad Complutense. Trabajo como periodista en Televisión Española. También he trabajado como guionista en diferentes series de televisión (Cuatro, Canal +, Telecinco). Asimismo, soy autora del libro Cómo crear una serie de televisión (T&B Editores, 2007) y de la novela El verdadero tercer hombre (Ediciones del Viento).
En 2010 dirigí un corto, Terapia, que fue nominado a los Premios Goya.
La muerte de Feliciano en «La promesa» es un momento cumbre de la televisión. Para mí es un pico de la ficción porque hablo de ese capítulo con mi madre. Todo lo que hablo con mamá sobre series es un fenómeno de historia de la tele. «La promesa» no es una excepción. El dolor de la muerte de Feliciano en «La promesa».
«La promesa» es un melodrama de tomo y lomo. Sigue las reglas del melodrama porque en nuestra época actual la gente sigue necesitando amar y sufrir viendo una serie. Los momentos de intensidad emocional y el drama descarnado se suceden: la muerte de Feliciano, un personaje bueno y noble, la devastación de Teresa, el destroce de doña Petra, la reaparición de Virtudes, la hija de Simona, el asesinato del marido de Candela.
Me sorprendo al ver cómo la bondad de Feliciano al borde de la muerte todavía me hace llorar cuando ya me creía crustácea:
-Prométeme que vas a ser feliz y te volverás a enamorar-le dice a Teresa, su prometida, después de que el médico del pueblo le haya hecho una carnicería tras recibir un tiro que iba destinado a Curro. Por cierto, «La Promesa» está haciendo más por despertar la conciencia social que cualquier partido político.
El sábado hablo con mi madre desde el kebab de la calle Maiquez a donde he ido a por durums, y kebabs para alimentar a la familia. Mientras espero mis pedidos, me tomo una cerveza y llamo a mamá siguiendo el ritual de la llamada de una vez por semana.
Mamá me cuenta que la muerte de Feliciano en una operación orquestada por Cruz de Luján, la marquesa, (aunque iba dirigida a matar a Curro) es una bomba de relojería porque Petra, la madre del muchacho, sabe muchos secretos de la marquesa.
Luego, ya con la trama más avanzada, mamá suelta:
-Alguien debería matar a Petra.
Mamá vive «La promesa» como si fuera la vida real. La serie funciona porque los guiones están bien escritos y elevan el habitual listón de serie de sobremesa, cumpliendo con las necesidades y sube y bajas del melodrama. Los coordinan Carmen Llano, Carmen es amiga y Susana Prieto (entre otros).
Por otra parte, los actores están sobresalientes. Destacan por mérito propio: Andrea del Río como Teresa, Carmen Saldoval como Simona, Marga Martínez como Petra, Joaquín Climent como Rómulo, María Castro como Pía (Entrevisté a María Castro una vez para Cámara Abierta en TVE y es un sol) y Eva Martín como Cruz.
De todos los personajes de «La promesa» la actriz que más me interesa es Cruz. Eva Martín ha sido cantante de diferentes grupos de música de jazz, blues y tango. Ha participado en significativas series de la casa, RTVE, como «El Comisario», «Amar es para siempre». También participó haciendo de profesora universitaria de María Pujalte durante sus más espantosas derivas en «Merlí: Sapere Aude».
El dolor de la muerte de Feliciano en «La promesa».
En fin, que estoy enganchadísima.
La base del guion es crear tramas interesantes y diálogos que se defienden muy bien. Aunque pasa en Andalucía, los guionistas no han querido que los personajes hablaran con acento andaluz (excepto María Fernández y Candela) y el lenguaje no es el de la época. Aunque hay un esfuerzo evidente por utilizar giros y palabras antiguas, casticismos, y fraseología popular que no es moderna
«La Promesa» es una serie con la que desconecto, de la que hablo con mi madre, y que me ha llamado la atención por un esfuerzo de originalidad y credibilidad dentro del género del clásico del melodrama.
El dolor de la muerte de Feliciano en «La promesa».
¿Dónde puedes ver «La Promesa»? En RTVE Play.
¿De qué va? El mundo entero está al borde del abismo, pero hay remansos de paz aislados de los conflictos. Como el Palacio La Promesa, en el valle de Los Pedroches, propiedad de los Marqueses de Luján, uno de los mayores terratenientes del país. Ese día el Palacio se viste de gala para celebrar la boda del heredero, Tomás. Recién terminado el convite, la aparición de un aeroplano atrae la atención de todos. Lo pilota Manuel (Arturo Sancho), hijo de los Marqueses. De repente, el aparato pierde altura hasta estrellarse. Manuel está a punto de ser consumido por las llamas; pero alguien consigue salvarlo: Jana (Ana Garcés). El Marqués le ofrece una recompensa económica, pero ella solo quiere trabajo en el Palacio y tiene un motivo claro: hacer justicia a su madre asesinada hace quince años, e investigar el paradero de su hermano, secuestrado cuando era un recién nacido. Y la única pista que tiene guarda relación con los Marqueses de Luján. Ha llegado el momento de vengarse. Solo hay un elemento con el que no había contado: Manuel, hijo de los Marqueses… y la última persona de la que esperaría enamorarse.
Lo mejor: Los guiones y Marga Martínez, actriz imperial que interpreta a Petra.
Lo peor: Algunas tramas de continuidad personal como la de Salvador y María Fernández son un muermo.
¿Con quién verla? A solas. Es un melodrama folletinesco perfecto para desconectar.
Nuria Verde Hidalgo, autora de este blog, ciclotímica y apasionada de la vida. Ama escribir. Recientemente, la escritora y periodista ha publicado, una entre catorce, El tercer hombre (Ediciones Silex, 2024) En 2020 publicó la novela El verdadero tercer hombre (Ediciones del Viento), en 2021 Los crímenes de Atapuerca (Caligrama), y en 2007 publicó Cómo crear una serie de televisión, con Gonzalo Toledano (Ediciones T&B), su primera incursión en la teoría y práctica del guion televisivo. En cuanto a su formación, es licenciada en Periodismo por la Universidad Complutense. En 2010, fue finalista en los Premios Goya con su corto, Terapia.
Hoy vamos a hablar de la importancia de la mentira en el guion. De cómo meter la mentira con naturalidad, de cómo introducir la falsedad en nuestras ficciones. Voy a poner ejemplos prácticos para darnos cuenta de que nuestros personajes son como nosotros. La gente mentimos de forma natural en nuestras vidas.
La mentira en guion posee un peso muy específico, una carga de profundidad para un personaje. En la vida cuando los otros nos mienten, no solemos saber la verdad, pero en la ficción, por el contrario, sí, significando que podemos meternos en el alma oscura del personaje, conocer mejor sus miedos y miserias. Y si conociéramos los miedos y desgracias más íntimos de nuestros enemigos, no los odiaríamos.
En la vida se miente por muchas razones: para protegernos, para proteger a otros, para no hacer daño, para dar una mejor imagen, para evitar consecuencias negativas, por miedo, por debilidad, por educación.
En los guiones se miente por las mismas razones que en la vida. Pondré ejemplos prácticos para entender lo importante que es manejar la carta de la mentira a la hora de escribir series de televisión.
Tony Soprano miente a Carmela cuando esta le pilla en la infidelidad, con la prima coja de su amante rusa. ¿Por qué se entera Carmela? Porque la amante rusa la llama para largárselo. Tony lo niega, lo niega, y lo vuelve a negar. Miente, miente, y miente en una discusión que es la puerta de entrada al divorcio del matrimonio Soprano.
Tony miente en muchas más ocasiones. Adriana miente, y Pussy Bonpensiero también miente. Los federales mienten cuando le tienden la trampa a Adriana. No mentir es no sobrevivir en «Los Soprano».
Ahora veamos el caso práctico de la serie «Merlí». Os recuerdo la historia: Francesc Orellana interpreta a Merlí Bergeron, un profesor de Filosofía, que escoge a un grupo de alumnos de bachillerato para convertirlos en «los peripatéticos del siglo XXI». Como si se tratara de un nuevo Aristóteles, Merlí les enseña a cuestionar las cosas y a reflexionar. Pero, por su carácter irónico e irritante, despierta antipatías en el instituto, porque no todos los profesores están dispuestos a aguantar sus manías.
Como dice Orellana en una entrevista a «El País», Merlí también es cobarde, manipulador y mentiroso.
En un capítulo que Héctor Lozano dedica a la verdad, valor que Merlí en clase defiende, incluso presume de su capacidad para decir lo que piensa ante sus alumnos entregados, pillamos al profesor de Filosofía en un renuncio. Cuando Angie le pregunta si ha estado con otra mujer después de su relación con Laia, Merlí dice que no, repitiéndolo varias veces y los espectadores sabemos que es falso porque se ha acostado con la madre de Iván.
Pero la desfachatez y capacidad de manipulación de Merlí se desvela sobre todo en la trama en la que Carmina Calduch, la madre del profesor de Filosofía, le pide a su hijo que se busque piso propio y se vaya de su casa, porque ya lleva viviendo en la casa de la mamerta demasiado tiempo. Además, Bergeron no hace más que pelearse con su hijo Bruno, lo cual desconcentra y pone de los nervios a «La Calduch».
Menuda bola suelta a Merlí a su madre, qué rostro de cemento tiene el tío jeta. Atención spoiler.
El profesor de Filosofía le dice que está pendiente de unas pruebas porque puede tener cáncer, una mentira para que su madre no le eche de casa.
Los personajes mienten más que hablan.
Capítulo aparte es Don Draper, el protagonista de la serie «Mad Men».
Don Draper miente a Betty Draper, su mujer, una y otra vez, hasta llega a negar su infidelidad con Bobbie, la mujer del cómico contratado por la agencia para vender patatas Utz. Aventura que pone punto y final a su relación con su esposa. Es la gota que colma el vaso.
Pero también Don se miente a sí mismo con la adicción que tiene al alcohol y al sexo, miente a los demás al no querer hablar de su durísima infancia, miente con su identidad, miente con su nombre, miente con su pasado.
En la escena final de «Mad Men», Draper incluso tiene una irónica mentira interior en su mente porque, cuando medita en un retiro new age y sonrie, en realidad Don piensa en el famosísimo anuncio de la Coca Cola de los 70 sobre todas las razas unidas como hermanas y en paz.
El capitalismo ha absorbido la contracultura consciente de lo que vende. La gran mentira por excelencia.
Aunque Don Draper cuando suelta trola tras trola mantiene la confianza en sí mismo. Es el arte de mentir sin que se note en ese mundo de apariencias de la publicidad.
¿Cómo lo hace? Vamos a aprender de él.
Tiene buena postura.
No reacciona.
No trata de convencer a los demás.
Tiene la mentalidad de que va a estar bien pase lo que pase.
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Nací en Madrid, en 1971. Soy licenciada en Periodismo por la Universidad Complutense. Trabajo como periodista en Televisión Española. También he trabajado como guionista en diferentes series de televisión (Cuatro, Canal +, Telecinco). Asimismo, soy autora del libro Cómo crear una serie de televisión (T&B Editores, 2007) y de la novela El verdadero tercer hombre (Ediciones del Viento).
En 2010 dirigí un corto, Terapia, que fue nominado a los Premios Goya.
